En la entrega de Oscars anterior, Greta Gerwig se convirtió en la quinta mujer en ser nominada a Mejor Dirección de un largometraje en la historia de estos premios. Estamos también a dos entregas de que se cumplan diez años en que Kathryn Bigelow fuera la primera y, al menos hasta ahora, única mujer en ganar esta misma estatuilla. La falta de representación y premiación a mujeres en el cine es aparente y se puede ver perfectamente en lo absurdo de estos números. Los premios existen desde 1929, han nominado arriba de 400 directores en toda su historia, y solo cinco han sido mujeres, de la cual solo una ha ganado.

A decir verdad, esto no es un problema solo con las mujeres: la Academia es bastante poco piola con las minorías oprimidas en general, pero es un ejemplo para mostrar lo invisibilizado que está el rol de la mujer en cine, especialmente en la dirección. Todo esto parece venido del medioevo, pero lo realmente loco es sentarse y cuestionarse, bueno ¿y yo qué onda? ¿cuántas pelis hechas por mujeres veo o he visto?

Intenté más o menos armar una lista y el resultado, inexacto por supuesto, es de 48 largometrajes. En toda mi vida aparentemente solo ví 48 películas dirigidas por pibas, y soy bastante cinéfila. Les dejo, entonces, con una pequeña selección de películas hechas por mujeres, directoras consagradas o artistas nuevas, documentales y ficción, de lados diversos del mundo y de distintas épocas, para que ustedes también amplíen sus listitas.

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LA CIÉNAGA, 2001
Lucrecia Martel (Argentina)

Como estudiante de cine, estoy bastante segura que me podrían haber expulsado si hubiera manifestado por los pasillos de mi escuela que jamás había visto una película de Martel. No sé muy bien si fue eso que me mantuvo lejos de La Ciénaga, la cual está bajada en mi computadora hace apróximadamente un año y medio, pero Lucrecia Martel no acompaña a Buñuel, Hitchcock y a Fellini en la fachada de Cinemateca 18 (RIP) gratuitamente. Desde el minuto uno te sumerge en un estado de extrañamiento, con un uso del sonido que es una demencia, siempre sentís que está al borde que explote todo, ya sea un accidente por negligencia, un conflicto de clases o tensiones reprimidas: por donde lo veas La Ciénaga está llena de conflictos sutiles pero que te vuelan la cabeza. Los personajes principales son, a su vez, mujeres complejas, bien distintas e interesantes. Es una de esas películas que genera impotencia, bronca y profunda admiración, porque nunca vas a poder escribir algo igual.

 

LOS RUBIOS, 2003
Albertina Carri (Argentina)
De todas las películas de dictadura que he visto, esta es indudablemente la más extraña, y la más potente. Los padres de Albertina Carri, conocides por varies como “los rubios”, fueron desaparecidos y posteriormente fusilados cuando Albertina tenía tres años en el marco de la dictadura militar argentina. Habiendo crecido casi sin conocerlos, Albertina hace una película compuesta por diversas expresiones, en la que intenta reconstruir la memoria de sus padres. Entre la ficción dramatizada, la metaficción, la representación, la no ficción y el documental, Albertina se aferra desesperadamente a algo que resulta ya imposible. Dirige a una actriz que hace de sí misma, utiliza a la ficción casi como sinónimo de memoria, hace preguntas a vecines sobre sus padres sin contarles quien es ella realmente, pone a su equipo delante de cámara. La forma de la película se vuelve tan compleja como su cuestionante. Creo que no es ni necesario decir lo importante que es que tengamos mujeres artistas que innoven, que se salgan del molde, que sean experimentales, y que rompan todo.

 

MUSTANG, 2015
Deniz Gamze Ergüven (Francia-Turquía)
De todos los títulos de esta lista, Mustang es quizás la película con una temática más explícitamente feminista. Cuenta la historia de cinco hermanas en Turquía que atraviesan su pubertad y adolescencia en la más tremenda represión patriarcal. Luego de un episodio en el que juegan a las luchas en el agua, subidas a los hombros de unos amigos varones, las chicas son sancionadas por su familia religiosa y conservadora, y son recluidas en su casa. Ante sus intentos de rebeldía, la familia responde poniéndose cada vez más severa; hasta que eventualmente empiezan a separar a las hermanas armandole a cada una distintos matrimonios arreglados. Es realmente terrible, teniendo en cuenta que son situaciones muy cotidianas en distintos países, siendo incluso parte de la experiencia de su realizadora, ver este filme y la tenacidad y fortaleza que tienen que tener constantemente las hermanas para poder escapar de la situación en la que se encuentran. A pesar de esto la historia tiene una mística muy bonita, con el tremendo cariño en que la directora retrata a cada una de las gurisas, y como muestra su unión de hermandad y sororidad; cuando las separa es cuando una más sufre como espectadora.

 

TINY FURNITURE, 2010
Lena Dunham (EEUU)
Si conocés y te gusta la serie Girls de HBO, que hace relativamente poco estrenó su temporada final, podés encontrar que esta película es más o menos su antecesor espiritual. Escrita y dirigida por Lena Dunham, igual que en Girls, también la protagoniza con el mismo personaje, más allá de que se llamen distinto, y su historia sea distinta, son en definitiva exactamente la misma persona. Tiny Furniture sigue a Aura, que tiene veintipico de años, y está recientemente graduada de una escuela de cine. Vuelve a la casa de su madre mientras se asienta, es un loft enorme que es pagado por la gran fama que ha adquirido ésta como fotógrafa de muebles miniatura. En esta casa también vive su hermana Nadine, quién es percibida por Aura como una versión mejorada de sí misma: más flaca, más linda, más talentosa. La historia transcurre sin mayores dramatismos entre las inseguridades, los complejos, los miedos y los afectos de Aura. Los personajes se sienten reales, los conflictos nos pueden pasar a todes, es una historia pequeña pero fácilmente identificable, y que como en Girls, no se avergüenza en mostrar lo crudo, normalizando también instancias que tienden a glamorizarse en otras películas. Se me viene a la cabeza la escena de sexo que tienen Aura y un pibe con novia adentro de un tubo de concreto en la calle, y sin protección. Es incómoda, pero no de la forma humorosa que usan en las películas para generarle a une vergüenza ajena: es simplemente incómodo, sexo malo. Cualquier mina puede identificarse, pero es muy raro de ver en cine, el cual generalmente no tiene grises entre la escena de sexo horrorosa y grandilocuente, y la de amor romántico con pétalos en la cama.

 

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CLÉO DE 5 A 7, 1962
Agnès Varda (Francia)
Cléo de 5 a 7 es una película que consiste casi que exactamente en lo que promete su título: un seguimiento de nuestra protagonista, Cléo, durante una hora y media en su vida. Cleo de 5 a 6:30 no tenía tanto punch. Si fueran a googlear esta película y la palabra “feminismo” podrán contemplar que hay muchas entradas en internet, ensayos y análisis de todo tipo y color. A pesar de que Cléo de 5 a 7 no hable de manera súper explícita sobre el feminismo, cualquier disección de los elementos temáticos de la película nos llevaría a la conclusión de que sus valores están alineados con la ideología. Agnès Varda es también considerada una realizadora feminista, por su gran exploración de temas vinculados a la mujer, y por dar una voz femenina al cine que es una industria típicamente masculina, mucho más cuando ella comenzó su carrera. Cléo de 5 a 7 es su segunda película, y muestra a la protagonista homónima, una hermosa y exitosa cantante popular, en espera de unos resultados médicos que le informarán si está o no enferma de cáncer. Durante la enteridad del largometraje vemos a Cléo participar en actividades sumamente vanidosas y superficiales; la película está llena de espejos en los que Cléo se mira constantemente. Al principio del filme, contemplando la muerte, Cléo dice algo así como “La fealdad es un tipo de muerte… Mientras sea hermosa estaré más viva que otros”. Vemos en Cléo el estereotipo dañino de que el valor más importante que puede tener una mujer es el de ser bonita y deseable. En otra instancia, al Cléo cuestionar a una amiga suya que posa desnuda en una clase de arte, su amiga le comenta que “su cuerpo la hace feliz, no orgullosa”. Los valores en la vida de Cléo, al enfrentarse a nuevas compañías en su vida, y acercarse la hora de la verdad en forma de resultados, terminan por supuesto, cambiando. Sino no sería una película, pero por suerte sucede. Cléo dice “todo el mundo me consiente, pero nadie me ama”. Recomiendo fuertemente que vean esta película, porque sino tendría que escribir tres páginas más.

 

LOST IN TRANSLATION, 2003
Sofía Coppola (EEUU)
Sofía Coppola es probablemente de las directoras mujeres a la que le di pelota primero. Estando súper de moda entre el público indie de los 2000, consumí casi toda su filmografía: Las Vírgenes Suicidas, Somewhere, The Bling Ring, y mis favoritas; María Antonieta y Lost in Translation. María Antonieta sea quizás, más pertinente a temáticas feministas, pero la absoluta sutileza, nostalgia, melancolía y cariño reflejado en Lost in Translation me impiden poder elegir otra. La historia sigue a Bob y a Charlotte, dos norteamericanos en Tokio, que por un motivo u otro, se sienten completamente aislados y alienados en un contexto súper distinto al de su hogar. Bob le saca a Charlotte unos cuantos años, y tiene bastante más poder adquisitivo, por lo cual podría ser fácilmente una historia que nos suena a otra cosa. Es, sin embargo, una película que retrata un vínculo ambiguo y maravilloso, dos extraños que sienten que se conocen de toda la vida, que comparten muchos momentos en algún intermedio muy extraño entre la pura amistad y el romance. No puedo decir mucho más porque es definitivamente una película que debe ser vista, no contada.

 

EMBRACING, 1992
Naomi Kawase (Japón)
Embracing es la primera película de la realizadora japonesa Naomi Kawase, y también la primera que he visto de su filmografía. Hizo esta película, que puede considerarse un mediometraje, o incluso un cortometraje, a sus 23 años. He escuchado nombrar a Kawase bastante en clases de no ficción, no solamente por sus documentales, sino también por la forma bastante “documentalosa” que tiene de filmar ficción. Sin embargo, me atraía muchísimo su inquietud como realizadora fuera de la ficción, por filmar e interpelar a su familia y sus relaciones familiares. En Embracing, vemos como Naomi busca a su padre quien la abandonó cuando era chica. Es una película sencilla, bastante poética, y por ende emotiva. Está filmada en un nostálgico y místico 8mm, que da a este autorretrato audiovisual un aire soñado. Es muy interesante y muy lindo, también, presenciar a una piba tan joven que, hace 20 años, propuso mostrar su propia historia, y reclamar que ella es importante.

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LADY BIRD, 2017
Greta Gerwig (EEUU)
Vengo siguiendo a Greta Gerwig hace varios años, como actriz y musa colaboradora de Noah Baumbach, principalmente: es el alma de una de mis películas favoritas, Frances Ha. Me inspira para el tipo de cine que me encantaría hacer al punto que comparte nombre de pila con mi gata (para ser honesta vino con ese nombre, pero se lo dejé por ella, que ya es bastante). Entonces cuando me enteré que se estrenaba su ópera prima, me emocioné mucho. Más me emocionó aún, cuando, como conté más arriba, fue nominada a mejor dirección en los premios Oscars, algo más difícil para una mujer que ganarse el gordo de fin de año.
Lady Bird es una historia que parece tener elementos autobiográficos de la vida de Greta creciendo en Sacramento, California. La película le da bastante protagonismo a la ciudad, junto a su protagonista de carne y hueso, Christine, quien se hace llamar Lady Bird. Lady Bird está obsesionada con la idea de irse a estudiar artes a Nueva York, un lugar que ella envisiona como sofisticado, y donde pertenece. El desdén y la vergüenza con la que trata a su humilde realidad actual le genera grandes choques con su madre, quién tiene que mantener dos trabajos luego de que su padre fue despedido. La película hace un maravilloso trabajo en mostrar relaciones madre-hija de una forma orgánica. Es un tipo de vínculo llenísimo de complejidades, en el cual no se suele ahondar al punto de dedicarle un largometraje entero. Cualquier mujer puede encontrar elementos de su relación con su madre en Lady Bird, tanto los buenos como los completamente enervantes.

 

EN LA PUTA VIDA, 2001
Beatriz Flores Silva (Uruguay)
Beatriz Flores Silva es de les primeres cineastes reconocides de nuestro país. En 1993 hizo Pepita la Pistolera, que es bastante icónica, aunque no la haya visto mucha gente. Con En la puta vida, sin embargo, le fue mucho mejor. La temática de la película sigue estando vigente hasta el día de hoy, 17 años después, y sigue siendo súper feminista. Protagonizada por Elisa, una madre soltera que recurre a la prostitución para cumplir con su sueño de abrir una peluquería en Pocitos, Beatriz Flores Silva hace poco por glamorizar la prostitución, y cualquier avance romántico de la protagonista al proxeneta que la emplea está claramente condenado al fracaso. No hay tal romanticismo en un hombre que vende tu cuerpo a otros y se queda con el dinero, importándole poco tu integridad física y moral. Elisa, a pesar de ser rebelde y contestataria, no sabe darse cuenta que merece más, acompañando a su sueño de la peluquería con la casi obsesión de casarse con el fiolo. Sin intención de spoilear, ya que deberían verla en Retina Latina y matar dos pájaros de un tiro consumiendo también cine de nuestro país, voy a decir que las declaraciones finales de Elisa hablando a otras mujeres son muy sentidas y muy reales. Beatriz Flores Silva no es tibia en lo que a la prostitución y la trata refieren.

Texto: Florencia P
Imagen destacada: Fotograma de Mustang

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